#高分电影#高分电影《不能说的秘密》是部好电影吗？
看过的观众会说，<不能说的秘密>还不至于“牛逼”吧？ 恩，那我就试着一点点说吧。
首先一点，这部电影“没有一句废话”。
（再加一句，这部电影说的是1979年的桂纶镁，穿越到1999年，遇到周杰伦后发生的故事。）
在影片的一开始，画面出现了一本古老的琴谱，配上宏大、谲诡的弦乐，透着一股神秘的劲。这部琴谱，就是穿越的源头，整个故事都因它而起。
打这起，开始详解我之前说过的“这部电影没有多余的话”。
这里有几句看似闲聊的话，其实是在交代人物背景和埋下伏笔。
“我以前就听说过你了诶”“哦，真的吗。”
“你是主修钢琴对吧？” “对啊”“为什么想来转来我们学校？你们学校不好吗”“因为你们学校比较漂亮啊。没有啦，我爸叫我来的”
开头的“我以前就听说”，接上后面的“主修钢琴”，其实意在衬托周杰伦钢琴弹的很好，以致于“早就听说”。这是为后面斗琴的情节做铺垫，前面不指出他钢琴弹的好的话，后面“斗琴”就显得太突兀了。如果拍个奖状奖杯什么的又显得太俗。简单的一句“我以前就听说过你”，显得自然不露痕迹，这是上档次的表现手法。至于他爸为什么要他转来，后面也给了合理的解释，因为他爸是这学校的老师嘛，自然想看着儿子在自己眼底下毕业。
“好漂亮哦”“这栋琴房已经有100年的历史了”
“一百年啦”（强调100年）“恩，不过在我们毕业典礼的那一天就要拆掉了。”
这里又给出了一个线索：这栋琴房在毕业典礼那天就要拆掉了。理由是已经“有100年的历史”，要盖新的。
强调是在毕业典礼的“那一天”，因为这句话，才有后面女主回到1999年，去见男主一面的情节。才有结尾周杰伦冒险去弹琴的高潮。
男主鬼使神差地独自进入了琴房大楼。注意听后面隐隐约约的音乐，桂纶镁刚刚来到1999。这里从周杰伦进门到和桂纶镁相遇足足给了一分钟的镜头，也就是拍了一分钟周杰伦在走廊的情景。这里其实是在说，接下来要见的，是个很重要的人哦。
周杰伦和桂纶镁的first sight
（first sight 强调一下，桂纶镁穿越回来后第一眼看见谁，那个人才能看到她。）
上课了。
这里有一点好玩的地方，黑板左下角的值日生是 方文山 和 黄俊郎。。
桂纶镁进教室。（由于first sight的缘故，此时别人都看不到她）
老师在提醒周杰伦不要往后看。
这个镜头很厉害，虚化了晴依，将焦点对在桂纶镁身上，让人不易察觉她俩都在笑。
别人是看不到桂纶镁的，所以老师和同学觉得周杰伦是在看晴依，所以晴依才得意地偷笑。这个镜头非常用心，因为只有看第二遍以上才知道这个笑的意思。
为了突出两人的笑是这个意思，还拍进了前面一个女生，她因为知道周杰伦肯定不是看自己，一点也没笑。
“这是一个不能说的秘密 ” 周杰伦在问她那首曲子的名字，她没有回答他，又回答了他，那首曲子确实叫《Secret》。
这部电影中的对白，充斥着大量的双关，只有在你什么都明白了之后，才会理解其中的深意。
回家了。
（买菜回家）
之前看到的时候一直在纳闷这个情节想要表达什么，好像没什么意义嘛。仔细想想才明白，在整部电影中，周杰伦一直在极力避免两样东西。物质和性。整部电影里没有出现过金钱，性暗示之类的东西。或许周董觉得这两样东西会使爱情不那么美好吧。
回到学校了。
黄秋生在教导学生
桂纶镁笑了一下。
周杰伦又马上要走。
桂纶镁看到教训学生为什么要笑？聊着好好的周杰伦为什么要走？
原来桂纶镁笑是因为看到20年后的黄秋生感到有趣，而周杰伦要走是因为黄秋生是他爸，不想让老爸看见自己和女同学在一起。 这些也是在看第二遍的时候，才能体会到这两句的深意。
黄秋生也是很重要的角色，在这里就把人物铺垫出来了。
去散步。
“我都没吃过”，这句话是桂纶镁说的。这句话暗示桂纶镁不是1999年的人，这个不难理解，但是难得的“导演周杰伦”能想到1979年那个时候没有锥形冰淇淋。
在台湾，锥形冰淇淋的出现是在20世纪80年代后期，并且在台湾冰淇淋市场占有率过半的cold stone和杜老爷都是在1988年先后成立的。所以这一句话出现的很严谨。是有过生活体验或者考史的。而且即使桂纶镁那个时期已经有了冰淇淋，也不构成硬伤，可以理解成她不爱吃零食。
不行，越想越觉得厉害了。
另外在后面还有这样的对话
这段有人和《海上钢琴师》比较，认为是抄袭。其实两者同为斗琴，本质是有区别的。《海》是一台钢琴，你上完了我来；这里是两台。《海》是一开始眼看要输，最后绝地反击的节奏；这里是步步压制。《海》是没有两人合作的戏份的，这有。 不能说只要钢琴比赛的片段，都是抄袭吧？
斗琴的这段，可以听出周杰伦的音乐功力真的很厉害，可以编的这么好听，前后节奏也掌握的很棒。这一段非常之棒，甚至一度让我萌生了学钢琴的念头```
很浪漫的情节，也是我最喜欢的桥段之一。但是我想光夸不行，得说说缺点。这一段据桂纶镁说“前前后后拍了70多次”，这70多次怎么剪辑，是非常考验剪辑能力的。这里还是出现了一处破绽。
这是连贯的画面，不往下拽的话，外层的衣服是不会盖住里面的袖子吧。这是剪辑的一处痕迹。但令人惊讶的是，其余地方例如发型，摆设，却看不出破绽。说明周杰伦确实当时在意过这点，而世上没有完美的事，拼接总会有点破绽的。
周杰伦来到桂纶镁家里。
这里用了不显眼的镜头，出现了一个中年女人。
这个看似一闪而过的镜头很重要，在这里的铺垫是很难发觉的，哪怕再回过头看几遍也很可能看不到她。
这个女人其实就是中年的小雨。
为什么我会确定这就是中年小雨，而不是小雨的妈妈或者其他人呢。首先，这是小雨的家。我们又知道小雨家里只有她和她妈妈。小雨的妈妈在1979年就已经40多岁了，现在应该是60-70岁。这里出现的女人从形态，穿着上来看，不是60-70岁年龄段的样子。
再通过后面这个镜头判断，这个房间是小雨的房间，而不是邻居或者其他人的。（窗前树的形态）
中年的小雨，和高中的小雨怎么会同时出现呢？这牵扯到时空的问题，稍后再详谈。
小雨的哮喘，在这里给先交待出来。为后来悲剧的顶点--------小雨的死埋上一笔。
表白，接吻。这里用的镜头很美，据说当时布置了好多机位，几乎360度全有，拍了两条，但最后还是只选择这个背影。夕阳，藤椅，板凳，海边，轻舟，逆光，。。还有不直视亲密接触的含蓄。
舞会结束后，桂纶镁无意中得知这里快拆了，决定要教给周杰伦《secret》。这里又是给最后小雨
穿越回来，周杰伦穿越回去埋下伏笔。
“你一定要弹那么快吗” “我回去都弹那么快啊” 又是一句双关语。
周杰伦认为的“回去”以为是回家，其实是回去1979。又特别嘱咐了别在旧琴房弹这首曲子。这时桂纶镁的心理很复杂，特地教给他这首曲子，又不想让他真回去找她。只是想把这首连接你我的曲子，作为彼此的纪念。
毕业合照。周杰伦和桂纶镁在一起了。
最后的结局布置得很有意思。周杰伦废了多大的劲，舍去父亲，学业，朋友，来到小雨身边，见面之后或许该皆大欢喜，高兴得乱蹦乱跳之类的，但是却没有这样安排。两人只是几个眼神，周杰伦一个手势，最后放一张毕业照片，就把什么都解释了。
这里说一点，为什么周杰伦回去之后，能看到他的不只小雨自己。这是因为1999年的旧钢琴已经毁了，在毁掉之前，这架钢琴完成了它最后一次的时空穿越，之后它的魔力也就失效了，周杰伦再也回不到1999，At first sight makes one‘s destiny也就随之失效。
这部电影我省略了很多部分，包括一些对话，对话是重点，诸位再看一遍就能体会简单几句对白蕴含了多少心血，双关了什么意思。整部电影几乎找不到bug，这对科幻元素的电影来说非常困难。周杰伦和桂纶镁的演技浑然天成，周杰伦是因为演他自己，桂纶镁却是实力的演技。
叙事上用了倒叙，插叙等，却一点也不显得乱，脉络很清晰，最难得的是在桂纶镁每一次穿越后改变的当前历史，抓的很细致。周董或他的制作团队，对霍金“平行空间”理论研究得很透彻。尤其在不经意的细节中，处处都能体现出来。
不知道诸位看这部电影有什么感受，我在看前半段时，一直是笑着的。起初很奇怪为什么会笑，笑不是应该听到笑话、得意的时候才有么，看别人谈恋爱有什么好笑的。然而有一天看到热恋阶段，见到你的男/女朋友你想做的第一件事是什么？这个答案，忽然说不出的感动。片中每次桂纶镁见到周杰伦时，做的第一样事，笑。这是发自内心的开心，我也有种说不出的开心。
以上。
最后，这部电影中的爱情虽然并不是我想要的境界，却总能在不同时候，不同层次地，带给我爱情最初的感动。
看过的观众会说，<不能说的秘密>还不至于“牛逼”吧？ 恩，那我就试着一点点说吧。
首先一点，这部电影“没有一句废话”。
（再加一句，这部电影说的是1979年的桂纶镁，穿越到1999年，遇到周杰伦后发生的故事。）
在影片的一开始，画面出现了一本古老的琴谱，配上宏大、谲诡的弦乐，透着一股神秘的劲。这部琴谱，就是穿越的源头，整个故事都因它而起。
打这起，开始详解我之前说过的“这部电影没有多余的话”。
这里有几句看似闲聊的话，其实是在交代人物背景和埋下伏笔。
“我以前就听说过你了诶”“哦，真的吗。”
“你是主修钢琴对吧？” “对啊”“为什么想来转来我们学校？你们学校不好吗”“因为你们学校比较漂亮啊。没有啦，我爸叫我来的”
开头的“我以前就听说”，接上后面的“主修钢琴”，其实意在衬托周杰伦钢琴弹的很好，以致于“早就听说”。这是为后面斗琴的情节做铺垫，前面不指出他钢琴弹的好的话，后面“斗琴”就显得太突兀了。如果拍个奖状奖杯什么的又显得太俗。简单的一句“我以前就听说过你”，显得自然不露痕迹，这是上档次的表现手法。至于他爸为什么要他转来，后面也给了合理的解释，因为他爸是这学校的老师嘛，自然想看着儿子在自己眼底下毕业。
“好漂亮哦”“这栋琴房已经有100年的历史了”
“一百年啦”（强调100年）“恩，不过在我们毕业典礼的那一天就要拆掉了。”
这里又给出了一个线索：这栋琴房在毕业典礼那天就要拆掉了。理由是已经“有100年的历史”，要盖新的。
强调是在毕业典礼的“那一天”，因为这句话，才有后面女主回到1999年，去见男主一面的情节。才有结尾周杰伦冒险去弹琴的高潮。
男主鬼使神差地独自进入了琴房大楼。注意听后面隐隐约约的音乐，桂纶镁刚刚来到1999。这里从周杰伦进门到和桂纶镁相遇足足给了一分钟的镜头，也就是拍了一分钟周杰伦在走廊的情景。这里其实是在说，接下来要见的，是个很重要的人哦。
周杰伦和桂纶镁的first sight
（first sight 强调一下，桂纶镁穿越回来后第一眼看见谁，那个人才能看到她。）
上课了。
这里有一点好玩的地方，黑板左下角的值日生是 方文山 和 黄俊郎。。
桂纶镁进教室。（由于first sight的缘故，此时别人都看不到她）
老师在提醒周杰伦不要往后看。
这个镜头很厉害，虚化了晴依，将焦点对在桂纶镁身上，让人不易察觉她俩都在笑。
别人是看不到桂纶镁的，所以老师和同学觉得周杰伦是在看晴依，所以晴依才得意地偷笑。这个镜头非常用心，因为只有看第二遍以上才知道这个笑的意思。
为了突出两人的笑是这个意思，还拍进了前面一个女生，她因为知道周杰伦肯定不是看自己，一点也没笑。
“这是一个不能说的秘密 ” 周杰伦在问她那首曲子的名字，她没有回答他，又回答了他，那首曲子确实叫《Secret》。
这部电影中的对白，充斥着大量的双关，只有在你什么都明白了之后，才会理解其中的深意。
回家了。
（买菜回家）
之前看到的时候一直在纳闷这个情节想要表达什么，好像没什么意义嘛。仔细想想才明白，在整部电影中，周杰伦一直在极力避免两样东西。物质和性。整部电影里没有出现过金钱，性暗示之类的东西。或许周董觉得这两样东西会使爱情不那么美好吧。
回到学校了。
黄秋生在教导学生
桂纶镁笑了一下。
周杰伦又马上要走。
桂纶镁看到教训学生为什么要笑？聊着好好的周杰伦为什么要走？
原来桂纶镁笑是因为看到20年后的黄秋生感到有趣，而周杰伦要走是因为黄秋生是他爸，不想让老爸看见自己和女同学在一起。 这些也是在看第二遍的时候，才能体会到这两句的深意。
黄秋生也是很重要的角色，在这里就把人物铺垫出来了。
去散步。
“我都没吃过”，这句话是桂纶镁说的。这句话暗示桂纶镁不是1999年的人，这个不难理解，但是难得的“导演周杰伦”能想到1979年那个时候没有锥形冰淇淋。
在台湾，锥形冰淇淋的出现是在20世纪80年代后期，并且在台湾冰淇淋市场占有率过半的cold stone和杜老爷都是在1988年先后成立的。所以这一句话出现的很严谨。是有过生活体验或者考史的。而且即使桂纶镁那个时期已经有了冰淇淋，也不构成硬伤，可以理解成她不爱吃零食。
不行，越想越觉得厉害了。
另外在后面还有这样的对话
这段有人和《海上钢琴师》比较，认为是抄袭。其实两者同为斗琴，本质是有区别的。《海》是一台钢琴，你上完了我来；这里是两台。《海》是一开始眼看要输，最后绝地反击的节奏；这里是步步压制。《海》是没有两人合作的戏份的，这有。 不能说只要钢琴比赛的片段，都是抄袭吧？
斗琴的这段，可以听出周杰伦的音乐功力真的很厉害，可以编的这么好听，前后节奏也掌握的很棒。这一段非常之棒，甚至一度让我萌生了学钢琴的念头```
很浪漫的情节，也是我最喜欢的桥段之一。但是我想光夸不行，得说说缺点。这一段据桂纶镁说“前前后后拍了70多次”，这70多次怎么剪辑，是非常考验剪辑能力的。这里还是出现了一处破绽。
这是连贯的画面，不往下拽的话，外层的衣服是不会盖住里面的袖子吧。这是剪辑的一处痕迹。但令人惊讶的是，其余地方例如发型，摆设，却看不出破绽。说明周杰伦确实当时在意过这点，而世上没有完美的事，拼接总会有点破绽的。
周杰伦来到桂纶镁家里。
这里用了不显眼的镜头，出现了一个中年女人。
这个看似一闪而过的镜头很重要，在这里的铺垫是很难发觉的，哪怕再回过头看几遍也很可能看不到她。
这个女人其实就是中年的小雨。
为什么我会确定这就是中年小雨，而不是小雨的妈妈或者其他人呢。首先，这是小雨的家。我们又知道小雨家里只有她和她妈妈。小雨的妈妈在1979年就已经40多岁了，现在应该是60-70岁。这里出现的女人从形态，穿着上来看，不是60-70岁年龄段的样子。
再通过后面这个镜头判断，这个房间是小雨的房间，而不是邻居或者其他人的。（窗前树的形态）
中年的小雨，和高中的小雨怎么会同时出现呢？这牵扯到时空的问题，稍后再详谈。
小雨的哮喘，在这里给先交待出来。为后来悲剧的顶点--------小雨的死埋上一笔。
表白，接吻。这里用的镜头很美，据说当时布置了好多机位，几乎360度全有，拍了两条，但最后还是只选择这个背影。夕阳，藤椅，板凳，海边，轻舟，逆光，。。还有不直视亲密接触的含蓄。
舞会结束后，桂纶镁无意中得知这里快拆了，决定要教给周杰伦《secret》。这里又是给最后小雨
穿越回来，周杰伦穿越回去埋下伏笔。
“你一定要弹那么快吗” “我回去都弹那么快啊” 又是一句双关语。
周杰伦认为的“回去”以为是回家，其实是回去1979。又特别嘱咐了别在旧琴房弹这首曲子。这时桂纶镁的心理很复杂，特地教给他这首曲子，又不想让他真回去找她。只是想把这首连接你我的曲子，作为彼此的纪念。
毕业合照。周杰伦和桂纶镁在一起了。
最后的结局布置得很有意思。周杰伦废了多大的劲，舍去父亲，学业，朋友，来到小雨身边，见面之后或许该皆大欢喜，高兴得乱蹦乱跳之类的，但是却没有这样安排。两人只是几个眼神，周杰伦一个手势，最后放一张毕业照片，就把什么都解释了。
这里说一点，为什么周杰伦回去之后，能看到他的不只小雨自己。这是因为1999年的旧钢琴已经毁了，在毁掉之前，这架钢琴完成了它最后一次的时空穿越，之后它的魔力也就失效了，周杰伦再也回不到1999，At first sight makes one‘s destiny也就随之失效。
这部电影我省略了很多部分，包括一些对话，对话是重点，诸位再看一遍就能体会简单几句对白蕴含了多少心血，双关了什么意思。整部电影几乎找不到bug，这对科幻元素的电影来说非常困难。周杰伦和桂纶镁的演技浑然天成，周杰伦是因为演他自己，桂纶镁却是实力的演技。
叙事上用了倒叙，插叙等，却一点也不显得乱，脉络很清晰，最难得的是在桂纶镁每一次穿越后改变的当前历史，抓的很细致。周董或他的制作团队，对霍金“平行空间”理论研究得很透彻。尤其在不经意的细节中，处处都能体现出来。
不知道诸位看这部电影有什么感受，我在看前半段时，一直是笑着的。起初很奇怪为什么会笑，笑不是应该听到笑话、得意的时候才有么，看别人谈恋爱有什么好笑的。然而有一天看到热恋阶段，见到你的男/女朋友你想做的第一件事是什么？这个答案，忽然说不出的感动。片中每次桂纶镁见到周杰伦时，做的第一样事，笑。这是发自内心的开心，我也有种说不出的开心。
以上。
最后，这部电影中的爱情虽然并不是我想要的境界，却总能在不同时候，不同层次地，带给我爱情最初的感动。
#如何评价雪中悍刀行首日播放表现#【尊重观众，少了国产剧的通病，《雪中悍刀行》值得一看】《雪中悍刀行》是标标准准的爽文，给人一种快感。
故事也不复杂，讲述的是一个少年从弱变强，藏拙实巧的成长史、权谋史、家国史。
只不过，《雪中悍刀行》的序章并不怎么吸引人，反而有些鸡肋的观感，若不是后面高潮迭起，恐怕就沦为三流读物了。
一直到徐凤年第二次游历，《雪中悍刀行》的故事才算彻底铺陈开来。
后续才出现西楚、北椋、北莽、离阳之间的争斗与战乱，包括政斗、官斗、内斗、国与国斗、民族斗，以及官与天子斗。
其中也涵盖了侠和仙的部分，毕竟仙侠体系。
徐凤年江湖历练，结交知己，快意恩仇，十步杀一人，千里不留行，事了拂衣去，深藏身与名。
以小二，上酒的洒脱开场，用小二，上酒的解脱终结，闲过信陵饮，脱剑膝前横，将炙啖朱亥，持觞劝侯嬴。
这就是原著的节奏，很慢，改编成电视剧后，怎么让观众忍过这段无聊呢？
编剧王倦的改编手法很讨巧，他知道《雪中悍刀行》的精彩部分在后面，前边只是引子。
但观众又是懒惰且挑剔的，很难耐着性子熬到高潮来临，一旦看不进去，任凭说得天花乱坠，也是无济于事。
所以他妙笔生花，让前期剧情变得诙谐幽默，多一些逗趣搞笑，使观众不用动脑就能享受消遣的乐趣。
如徐凤年与老黄的一捧一逗，贡献了大部分笑点，堪比帅气版的郭德纲和于谦。
徐凤年施计假装楚人，换得他们的同情后，从西楚残部的手中逃了出来，急忙赶路回陵州，以免再生事端。
恰巧他们抵押给农夫的那匹马出现在前方，徐凤年暗暗窃喜，突然西楚残兵冲出来按住了他们，气氛瞬间变得紧张起来。
徐凤年以为楚人识破了自己的伎俩，专门追过来捉拿自己。
楚人按住他，对他说：“徐凤年”，徐凤年愣了一下，反问了一句“徐凤年？”
确认他们不知道自己就是徐凤年后，抛出了一句“徐凤年是一匹马呀”，老黄接了一句“太意外了”。
这一唱一和出来后，不仅化解了危机，撇清了自己，还逗乐了观众，一石三鸟，类似的桥段还有许多。
有了这层铺垫，等到京城白衣案徐徐展开，剧情也就步入了正轨。
而开头靠轻喜剧留住的那些观众便渐渐被剧情迷住，成为忠实受众，不再追求一笑。
这种先抑后扬的手法，此前在《庆余年》上，王倦就用过，属于驾轻就熟，而且被观众接受。
除此之外，剧中实景拍摄的蔓蔓绿荫、悠悠古道和风铃亭阁，叫人舒心惬意。
再加上水墨风的画面，整体透着一股“莫听穿林打叶声，何妨吟啸且徐行。竹杖芒鞋轻胜马，谁怕？一蓑烟雨任平生”的江湖气。
这种轻中国风博到了好感，虽然仍旧没免了形式主义的痕迹，但能重视中国元素中的美学思想，也属不易。
同样，《雪中悍刀行》少了国产剧的通病。
学会了尊重观众，让剧接了地气，不再是以往国产剧中清一色的阿宝色滤镜。
没了柔光磨皮，角色的白嫩与美貌确实下降了一个档次，但是那种看起来很舒服的感觉与众生相令人心情愉悦。
这种男人就是男人，女人就是女人，丑就是丑、美就是美，角色棱角分明的实在，才是未来国产剧该走的路。
而不是嫩肤美白的批发脸，一个个一尘不染、皮肤白皙、吹弹可破，昏暗的小屋都盖不住他们的白。
在服装上，《雪中悍刀行》也不似之前的国产剧一样，清一色的白灰黑。
近些年的古装剧都是一个样式，女的都配白色系衣服，男的稍微好一点，有白、黑、灰三色供选。
《雪中悍刀行》也有这个毛病，但是没有大批量的使用，会根据场景变换服装，让观众看到了许久未见的粗布麻衣和破衣烂衫。
在人物造型上，《雪中悍刀行》不都是ctrl+c和ctrl+v。
先前的古装剧，主演好像得罪了造型师，不论沧海桑田，他们永远不会变。
男的都是束发冠，女的都是八字撇，甚至他们受罪、受难，发型都不会改变，坚固的如同林俊杰的铁刘海。
而《雪中悍刀行》规避了这个问题，单钓鱼那场戏，徐凤年的丫鬟青鸟、红薯、姜泥，三个人三种造型，从人物造型上就能区分角色性格。
在演技方面，汇集老中青三代演员的《雪中悍刀行》讨好了观众。
大家在看剧时，终于不用再忍受没有演技可言的会动的植物人了，笑就是哈哈哈，哭就是哇哇哇。
荣梓杉、张若昀、胡军，再加上杨皓宇、李庚希，虽不是最已阵，但每个人都有演技，有好的对手带着，自然会有好的表演。
且不说《雪中悍刀行》做得有多么精细，至少能入眼，至少没有现代味。
最起码不是千篇一律的差不多，一个模子刻出来的惨白脸，一模一样的批发妆容和同一流水线的廉价服装。
其实，观众要的并不多，稍微上点心就可以。
正午阳光的老板侯鸿亮曾说过：“现在的年轻人对看剧的要求比较高，因为他们被美剧、英剧、日剧、韩剧熏陶过。
希望国内的影视制作水准相应地提高，不管哪个类型，他们觉得他们的智商被尊重了，我相信他们会接受的。”
这句话中有一点特别重要，“智商被尊重”。
可是很多导演偏偏忽视这点，总是想方设法，变着花样给我们看一些翔一样的东西，简直是如鲠在喉、如芒刺背、如坐针毡。
这样的作品，我们不会喜欢，但他们会心满意足，因为他们轻轻松松地赚了快钱，如愿以偿地鼓了口袋。
这是从业者的懒，造就了大量国产剧的烂。
这种歪风邪气不能助长，否则演艺圈到处都是乌烟瘴气，届时也就别怪观众崇洋媚外，因为你们自己亲手赶走了爱你们的观众。#李庚希 姜泥##微博新知博主#
故事也不复杂，讲述的是一个少年从弱变强，藏拙实巧的成长史、权谋史、家国史。
只不过，《雪中悍刀行》的序章并不怎么吸引人，反而有些鸡肋的观感，若不是后面高潮迭起，恐怕就沦为三流读物了。
一直到徐凤年第二次游历，《雪中悍刀行》的故事才算彻底铺陈开来。
后续才出现西楚、北椋、北莽、离阳之间的争斗与战乱，包括政斗、官斗、内斗、国与国斗、民族斗，以及官与天子斗。
其中也涵盖了侠和仙的部分，毕竟仙侠体系。
徐凤年江湖历练，结交知己，快意恩仇，十步杀一人，千里不留行，事了拂衣去，深藏身与名。
以小二，上酒的洒脱开场，用小二，上酒的解脱终结，闲过信陵饮，脱剑膝前横，将炙啖朱亥，持觞劝侯嬴。
这就是原著的节奏，很慢，改编成电视剧后，怎么让观众忍过这段无聊呢？
编剧王倦的改编手法很讨巧，他知道《雪中悍刀行》的精彩部分在后面，前边只是引子。
但观众又是懒惰且挑剔的，很难耐着性子熬到高潮来临，一旦看不进去，任凭说得天花乱坠，也是无济于事。
所以他妙笔生花，让前期剧情变得诙谐幽默，多一些逗趣搞笑，使观众不用动脑就能享受消遣的乐趣。
如徐凤年与老黄的一捧一逗，贡献了大部分笑点，堪比帅气版的郭德纲和于谦。
徐凤年施计假装楚人，换得他们的同情后，从西楚残部的手中逃了出来，急忙赶路回陵州，以免再生事端。
恰巧他们抵押给农夫的那匹马出现在前方，徐凤年暗暗窃喜，突然西楚残兵冲出来按住了他们，气氛瞬间变得紧张起来。
徐凤年以为楚人识破了自己的伎俩，专门追过来捉拿自己。
楚人按住他，对他说：“徐凤年”，徐凤年愣了一下，反问了一句“徐凤年？”
确认他们不知道自己就是徐凤年后，抛出了一句“徐凤年是一匹马呀”，老黄接了一句“太意外了”。
这一唱一和出来后，不仅化解了危机，撇清了自己，还逗乐了观众，一石三鸟，类似的桥段还有许多。
有了这层铺垫，等到京城白衣案徐徐展开，剧情也就步入了正轨。
而开头靠轻喜剧留住的那些观众便渐渐被剧情迷住，成为忠实受众，不再追求一笑。
这种先抑后扬的手法，此前在《庆余年》上，王倦就用过，属于驾轻就熟，而且被观众接受。
除此之外，剧中实景拍摄的蔓蔓绿荫、悠悠古道和风铃亭阁，叫人舒心惬意。
再加上水墨风的画面，整体透着一股“莫听穿林打叶声，何妨吟啸且徐行。竹杖芒鞋轻胜马，谁怕？一蓑烟雨任平生”的江湖气。
这种轻中国风博到了好感，虽然仍旧没免了形式主义的痕迹，但能重视中国元素中的美学思想，也属不易。
同样，《雪中悍刀行》少了国产剧的通病。
学会了尊重观众，让剧接了地气，不再是以往国产剧中清一色的阿宝色滤镜。
没了柔光磨皮，角色的白嫩与美貌确实下降了一个档次，但是那种看起来很舒服的感觉与众生相令人心情愉悦。
这种男人就是男人，女人就是女人，丑就是丑、美就是美，角色棱角分明的实在，才是未来国产剧该走的路。
而不是嫩肤美白的批发脸，一个个一尘不染、皮肤白皙、吹弹可破，昏暗的小屋都盖不住他们的白。
在服装上，《雪中悍刀行》也不似之前的国产剧一样，清一色的白灰黑。
近些年的古装剧都是一个样式，女的都配白色系衣服，男的稍微好一点，有白、黑、灰三色供选。
《雪中悍刀行》也有这个毛病，但是没有大批量的使用，会根据场景变换服装，让观众看到了许久未见的粗布麻衣和破衣烂衫。
在人物造型上，《雪中悍刀行》不都是ctrl+c和ctrl+v。
先前的古装剧，主演好像得罪了造型师，不论沧海桑田，他们永远不会变。
男的都是束发冠，女的都是八字撇，甚至他们受罪、受难，发型都不会改变，坚固的如同林俊杰的铁刘海。
而《雪中悍刀行》规避了这个问题，单钓鱼那场戏，徐凤年的丫鬟青鸟、红薯、姜泥，三个人三种造型，从人物造型上就能区分角色性格。
在演技方面，汇集老中青三代演员的《雪中悍刀行》讨好了观众。
大家在看剧时，终于不用再忍受没有演技可言的会动的植物人了，笑就是哈哈哈，哭就是哇哇哇。
荣梓杉、张若昀、胡军，再加上杨皓宇、李庚希，虽不是最已阵，但每个人都有演技，有好的对手带着，自然会有好的表演。
且不说《雪中悍刀行》做得有多么精细，至少能入眼，至少没有现代味。
最起码不是千篇一律的差不多，一个模子刻出来的惨白脸，一模一样的批发妆容和同一流水线的廉价服装。
其实，观众要的并不多，稍微上点心就可以。
正午阳光的老板侯鸿亮曾说过：“现在的年轻人对看剧的要求比较高，因为他们被美剧、英剧、日剧、韩剧熏陶过。
希望国内的影视制作水准相应地提高，不管哪个类型，他们觉得他们的智商被尊重了，我相信他们会接受的。”
这句话中有一点特别重要，“智商被尊重”。
可是很多导演偏偏忽视这点，总是想方设法，变着花样给我们看一些翔一样的东西，简直是如鲠在喉、如芒刺背、如坐针毡。
这样的作品，我们不会喜欢，但他们会心满意足，因为他们轻轻松松地赚了快钱，如愿以偿地鼓了口袋。
这是从业者的懒，造就了大量国产剧的烂。
这种歪风邪气不能助长，否则演艺圈到处都是乌烟瘴气，届时也就别怪观众崇洋媚外，因为你们自己亲手赶走了爱你们的观众。#李庚希 姜泥##微博新知博主#
#经典电影#尽管已经过去四十年，《哪吒闹海》依然被很多人奉为经典中的经典电影！
尽管已经过去整整四十年，《哪吒闹海》依然被很多人奉为经典中的经典。尤其是影片中哪吒自刎的深沉悲壮，后来的中国动画电影再也不曾达到这样的戏剧高度。
四十年里，那个自由叛逆、充满悲剧色彩的小哪吒，成为了一代又一代青少年的守护神。没有一个孩子不曾为他大闹东海而快意，为他剜肉剔骨、断绝亲情而震撼落泪，也为他骑鹿远去而感到落寞孤独。
他还成为了摇滚精神的象征。在《哪吒闹海》上映20年后，5个“北漂”年轻人将电影里第432号镜头的一帧画面作为乐队LOGO——他们将自刎的哪吒印在衣服上，印在旗帜上，南征北战，高喊着：
“即便是苦痛，也无法阻止我们仰起的头颅。”
1978年夏，《哪吒闹海》摄制组在上海市万航渡路618号成立。
这部片子是上海美术电影制片厂筹备的献礼片，时间紧，任务重。为了保证按时完成高质量的创作，影厂不惜举全厂之力投入到剧组当中：
“参加这部影片创作的有三位导演，一位总美术设计师和四位美术设计师，15位原画设计师，27位动画人员，三位绘景师，三位摄影师，一位作曲家，两位剪辑师，一位录音师，一位拟音师，众多的技术人员和辅助人员以及一位制片主任，一位剧务。”
三位导演分别为：王树忱、严定宪和阿达（徐景达）。
严定宪是原画师出身。动画片《大闹天宫》里的孙悟空，就是由他从静态的漫画造型，一帧一帧落实到动画里去的。
王树忱和阿达是影厂的“三剑客”之二。其中王树忱不仅是《哪吒闹海》的导演，还是编剧。
早在1958年，王树忱就带着《哪吒闹海》的剧本跑去苏谈合作。
对故事很感兴趣，当即决定派《冰雪女王》的导演列夫·阿塔曼诺夫和王树忱联合执导《哪吒闹海》。双方计划在中国取景，在美术片厂进行绘制，要搞一部中国风+技术的鸿篇巨制。
为此，阿塔曼诺夫特地来考察，看山看水看名画，还上了当年的《大众电影》杂志。
他表示要把京剧艺术融入到动画人物的表演中——3年后，这一艺术构想在《大闹天宫》里倒是实现了。
眼看着合作要成了，双方在钱的问题上却没谈拢：“我们要他们派导演，派好的原画师来，多出钱；他们呢，相反，少出钱，要我们出力气。”
然后在剧本上也开始扯皮，曾经不能理解中国人的神话传说，“认为讲迷信啊，斯了又活了，活了又斯了”。
身为辽宁汉子、又有着近十年美术片从业经验的王树忱咽不下这口气，“还要听他的，一副老大哥腔调，把我们看作小老弟”。
最后干脆一个电话请示到美影厂厂长特伟那里，谈不拢，不谈了。
于是王树忱带着“哪吒”打道回国，默默等待机会。
文艺工作者们的春天到了。沉寂数年的美影厂重新恢复了美术片的创作，《哪吒闹海》正好赶上了这一时机。
自觉虚度了十年光阴的动画人们铆足了劲，想把《哪吒闹海》做成中国第一部宽银幕动画片。
在哪吒的故事背景中，“人、神、鬼、兽同台表演；关、海、洞、天景色齐全”，适合用宽银幕来呈现。
最终，他们首次尝试用2.35:1的宽幅来制作动画电影。三位导演满怀雄心壮志，他们一致决定：
《哪吒闹海》的艺术特色，必须是奇、绝、壮、美。
所谓奇，就是故事离奇。为此，王树忱在剧本上对原著进行了大胆的改动。
《哪吒闹海》电影开篇，四海龙王兴风作浪，搅得陈塘关不得安宁，这为日后哪吒闹海埋下了合理性。
但其实在原著中，哪吒的闹海有点蛮不讲理。
在《封神演义》第十二回“陈塘关哪吒出世”里，哪吒因天气炎热，到海边用混天绫蘸水洗澡，不想这宝贝法力无边撼动了龙宫。
龙王差夜叉李艮来问，哪吒仗着自己是“灵珠子应运下世”，口气十分嚣张：“你这畜生是什么东西，也配说话？”
等到火拼起来，哪吒一动怒就打斯了夜叉，抽了敖丙龙筋，却道“便打死他二命也是小事”。
这要放在现代，妥妥的就是一恶少二代啊。
在《封神演义》成书的明代，哪吒应天命扶周灭商就已经是正义之身。哪怕是沙了人，也是为了“磨炼本性”、“完成劫数”，一切都可用天数来解释。反正古人吃这一套。
但若想让现代的观众接受这样一个浑身戾气、恃强凌弱的哪吒，显然是不可能的。
于是王树忱化用民间传说中，龙王贪得无厌、索要童男童女的桥段，反过来将哪吒塑造成天真无邪又正义凛然的少年英雄。
便是后来哪吒自刎，也是忍不了妖龙再作恶，忍不了百姓再受难，忍不了亲生爹爹要沙自己，是他自己的主动牺牲。
这一幕戏是全片的最高潮。
李靖因“天命难违”，挥剑欲砍哪吒，却因哪吒一声“爹爹”而心有不忍，手中宝剑应声落地。
“老妖龙，你听着，我一人做事一人当，不许你们祸害别人！”
“爹爹，你的骨肉我还给你，我不连累你！”
几乎与此同时，乐器合奏的配乐响起，十二个全景、四个中景、六个近景的轮番切换将戏剧张力推向极致，越来越快，就在观众情绪抵达高潮的那一刻，哪吒反手挥剑自纹，音乐、画面戛然而止。
片刻停顿，我们只能看到哪吒的背影静止，剑在手中滑动了一下。哪吒睁眼，泪水滑落，染血的长剑坠向地面。不知多少人在这一刻流下眼泪。
背向观众自纹，这经典的影史一幕是原画师常光希设计的。
但在当时，他的创作如履薄冰。考虑到动画片的受众主要是孩子，导演要求不能太暴力、太血腥。
“反正这一剑总是要下去的，问题是怎么下。”
考虑来考虑去，决定让哪吒背过身去下剑，但又担心画面张力不太够。
原画组组长林文肖——也是后来动画片《舒克和贝塔》的导演跟他建议，让哪吒的头发竖起来后慢慢飘落，象征生命在哪吒的身体里消失。
最终呈现出来的效果，在剪辑的加成下，戏剧张力、表现力、感染力都很到位。
对于我们来说，这可能是童年最为撕心裂肺、肝肠寸断的观影体验。
曾这样评价：多少年后，哪吒长袖飘飘，白衣若雪，在暗如黑夜的暴风雨中，横剑自刎的一幕仍历历在目，这种深沉的悲壮意境，此后的中国动画片再也没有，也无法再现了。
《哪吒闹海》前后只用了一年零三个月就完成了从绘制、拍摄到剪辑的所有工作，一共画了五万八千多张原画，摄制了宽银幕和4:3普通银幕两种规格，可想而知整个团队有多拼。
所有人都自觉加班。在全片进行到精剪阶段，剪辑师肖淮海连着一个星期没有回家。那可是计划经济时代，大家拿的都是固定薪酬，能做到如此，当真是“用爱发电”。
但不疯魔不成活。这种对每一个细节都极致把握的态度，才让《哪吒闹海》成为了影史上大放异彩的经典。
拿一个细节举例。敖丙被哪吒抽了龙筋，龙王敖广气咻咻地去找李靖说道。这里有一场戏是李靖抚琴。
为了让李靖的神情、姿态甚至弹琴的指法都和音乐完美结合，曲子谱好后，主创团队请来专业琴师现场演奏。
琴师在中间抚琴，六位原画师呈扇形围成一圈，多角度速写记录下每个音节的指法。同时摄影师也将琴师演奏时的神态捕捉下来。
这本来只是一处和情节推进没什么关系的细节，他们却以十足的匠心来雕琢。
这做的哪里是动画，分明就是艺术品啊。
类似的惊喜比比皆是。
比如电影开场，随着“上海美术电影制片厂”几个大字浮现，一段青铜编钟音色的配乐响起，马上就把人拉入到中国古典神话的缥缈意境里。
对于出生在80、90年代，看着这部动画电影长大的孩子们来说，让我们震撼的，是少年哪吒对父权的激烈反抗和对自由的决然追求。只是这样的哪吒，在自刎那刻便死去了，纵然莲花复生，但那不再是哪吒。
正因为如此，相较于其他影视剧作品中，哪吒复活后被天庭招安的后续演绎，《哪吒闹海》的结尾处理才显得难能可贵。
快意复仇后的哪吒和家将、昔日伙伴一一告别，骑一匹梅花鹿逍遥远去，没有了血缘的羁绊，无来处无归途，自由自在，唯有此心，耿耿相随。
而那个仗义执言、一身反骨的少年英雄，成为了一代又一代青少年的守护神。
哪吒——这个由师父太乙真人起的名字，曾经被一支年轻的摇滚乐队化为己用。他们在一首名为《闹海》的歌里唱道：
忧郁的孩子们别怕，守护着你们的是哪吒，谁要是再来害人定不饶他。
闹海哪吒 - 他在时间门外
尽管已经过去整整四十年，《哪吒闹海》依然被很多人奉为经典中的经典。尤其是影片中哪吒自刎的深沉悲壮，后来的中国动画电影再也不曾达到这样的戏剧高度。
四十年里，那个自由叛逆、充满悲剧色彩的小哪吒，成为了一代又一代青少年的守护神。没有一个孩子不曾为他大闹东海而快意，为他剜肉剔骨、断绝亲情而震撼落泪，也为他骑鹿远去而感到落寞孤独。
他还成为了摇滚精神的象征。在《哪吒闹海》上映20年后，5个“北漂”年轻人将电影里第432号镜头的一帧画面作为乐队LOGO——他们将自刎的哪吒印在衣服上，印在旗帜上，南征北战，高喊着：
“即便是苦痛，也无法阻止我们仰起的头颅。”
1978年夏，《哪吒闹海》摄制组在上海市万航渡路618号成立。
这部片子是上海美术电影制片厂筹备的献礼片，时间紧，任务重。为了保证按时完成高质量的创作，影厂不惜举全厂之力投入到剧组当中：
“参加这部影片创作的有三位导演，一位总美术设计师和四位美术设计师，15位原画设计师，27位动画人员，三位绘景师，三位摄影师，一位作曲家，两位剪辑师，一位录音师，一位拟音师，众多的技术人员和辅助人员以及一位制片主任，一位剧务。”
三位导演分别为：王树忱、严定宪和阿达（徐景达）。
严定宪是原画师出身。动画片《大闹天宫》里的孙悟空，就是由他从静态的漫画造型，一帧一帧落实到动画里去的。
王树忱和阿达是影厂的“三剑客”之二。其中王树忱不仅是《哪吒闹海》的导演，还是编剧。
早在1958年，王树忱就带着《哪吒闹海》的剧本跑去苏谈合作。
对故事很感兴趣，当即决定派《冰雪女王》的导演列夫·阿塔曼诺夫和王树忱联合执导《哪吒闹海》。双方计划在中国取景，在美术片厂进行绘制，要搞一部中国风+技术的鸿篇巨制。
为此，阿塔曼诺夫特地来考察，看山看水看名画，还上了当年的《大众电影》杂志。
他表示要把京剧艺术融入到动画人物的表演中——3年后，这一艺术构想在《大闹天宫》里倒是实现了。
眼看着合作要成了，双方在钱的问题上却没谈拢：“我们要他们派导演，派好的原画师来，多出钱；他们呢，相反，少出钱，要我们出力气。”
然后在剧本上也开始扯皮，曾经不能理解中国人的神话传说，“认为讲迷信啊，斯了又活了，活了又斯了”。
身为辽宁汉子、又有着近十年美术片从业经验的王树忱咽不下这口气，“还要听他的，一副老大哥腔调，把我们看作小老弟”。
最后干脆一个电话请示到美影厂厂长特伟那里，谈不拢，不谈了。
于是王树忱带着“哪吒”打道回国，默默等待机会。
文艺工作者们的春天到了。沉寂数年的美影厂重新恢复了美术片的创作，《哪吒闹海》正好赶上了这一时机。
自觉虚度了十年光阴的动画人们铆足了劲，想把《哪吒闹海》做成中国第一部宽银幕动画片。
在哪吒的故事背景中，“人、神、鬼、兽同台表演；关、海、洞、天景色齐全”，适合用宽银幕来呈现。
最终，他们首次尝试用2.35:1的宽幅来制作动画电影。三位导演满怀雄心壮志，他们一致决定：
《哪吒闹海》的艺术特色，必须是奇、绝、壮、美。
所谓奇，就是故事离奇。为此，王树忱在剧本上对原著进行了大胆的改动。
《哪吒闹海》电影开篇，四海龙王兴风作浪，搅得陈塘关不得安宁，这为日后哪吒闹海埋下了合理性。
但其实在原著中，哪吒的闹海有点蛮不讲理。
在《封神演义》第十二回“陈塘关哪吒出世”里，哪吒因天气炎热，到海边用混天绫蘸水洗澡，不想这宝贝法力无边撼动了龙宫。
龙王差夜叉李艮来问，哪吒仗着自己是“灵珠子应运下世”，口气十分嚣张：“你这畜生是什么东西，也配说话？”
等到火拼起来，哪吒一动怒就打斯了夜叉，抽了敖丙龙筋，却道“便打死他二命也是小事”。
这要放在现代，妥妥的就是一恶少二代啊。
在《封神演义》成书的明代，哪吒应天命扶周灭商就已经是正义之身。哪怕是沙了人，也是为了“磨炼本性”、“完成劫数”，一切都可用天数来解释。反正古人吃这一套。
但若想让现代的观众接受这样一个浑身戾气、恃强凌弱的哪吒，显然是不可能的。
于是王树忱化用民间传说中，龙王贪得无厌、索要童男童女的桥段，反过来将哪吒塑造成天真无邪又正义凛然的少年英雄。
便是后来哪吒自刎，也是忍不了妖龙再作恶，忍不了百姓再受难，忍不了亲生爹爹要沙自己，是他自己的主动牺牲。
这一幕戏是全片的最高潮。
李靖因“天命难违”，挥剑欲砍哪吒，却因哪吒一声“爹爹”而心有不忍，手中宝剑应声落地。
“老妖龙，你听着，我一人做事一人当，不许你们祸害别人！”
“爹爹，你的骨肉我还给你，我不连累你！”
几乎与此同时，乐器合奏的配乐响起，十二个全景、四个中景、六个近景的轮番切换将戏剧张力推向极致，越来越快，就在观众情绪抵达高潮的那一刻，哪吒反手挥剑自纹，音乐、画面戛然而止。
片刻停顿，我们只能看到哪吒的背影静止，剑在手中滑动了一下。哪吒睁眼，泪水滑落，染血的长剑坠向地面。不知多少人在这一刻流下眼泪。
背向观众自纹，这经典的影史一幕是原画师常光希设计的。
但在当时，他的创作如履薄冰。考虑到动画片的受众主要是孩子，导演要求不能太暴力、太血腥。
“反正这一剑总是要下去的，问题是怎么下。”
考虑来考虑去，决定让哪吒背过身去下剑，但又担心画面张力不太够。
原画组组长林文肖——也是后来动画片《舒克和贝塔》的导演跟他建议，让哪吒的头发竖起来后慢慢飘落，象征生命在哪吒的身体里消失。
最终呈现出来的效果，在剪辑的加成下，戏剧张力、表现力、感染力都很到位。
对于我们来说，这可能是童年最为撕心裂肺、肝肠寸断的观影体验。
曾这样评价：多少年后，哪吒长袖飘飘，白衣若雪，在暗如黑夜的暴风雨中，横剑自刎的一幕仍历历在目，这种深沉的悲壮意境，此后的中国动画片再也没有，也无法再现了。
《哪吒闹海》前后只用了一年零三个月就完成了从绘制、拍摄到剪辑的所有工作，一共画了五万八千多张原画，摄制了宽银幕和4:3普通银幕两种规格，可想而知整个团队有多拼。
所有人都自觉加班。在全片进行到精剪阶段，剪辑师肖淮海连着一个星期没有回家。那可是计划经济时代，大家拿的都是固定薪酬，能做到如此，当真是“用爱发电”。
但不疯魔不成活。这种对每一个细节都极致把握的态度，才让《哪吒闹海》成为了影史上大放异彩的经典。
拿一个细节举例。敖丙被哪吒抽了龙筋，龙王敖广气咻咻地去找李靖说道。这里有一场戏是李靖抚琴。
为了让李靖的神情、姿态甚至弹琴的指法都和音乐完美结合，曲子谱好后，主创团队请来专业琴师现场演奏。
琴师在中间抚琴，六位原画师呈扇形围成一圈，多角度速写记录下每个音节的指法。同时摄影师也将琴师演奏时的神态捕捉下来。
这本来只是一处和情节推进没什么关系的细节，他们却以十足的匠心来雕琢。
这做的哪里是动画，分明就是艺术品啊。
类似的惊喜比比皆是。
比如电影开场，随着“上海美术电影制片厂”几个大字浮现，一段青铜编钟音色的配乐响起，马上就把人拉入到中国古典神话的缥缈意境里。
对于出生在80、90年代，看着这部动画电影长大的孩子们来说，让我们震撼的，是少年哪吒对父权的激烈反抗和对自由的决然追求。只是这样的哪吒，在自刎那刻便死去了，纵然莲花复生，但那不再是哪吒。
正因为如此，相较于其他影视剧作品中，哪吒复活后被天庭招安的后续演绎，《哪吒闹海》的结尾处理才显得难能可贵。
快意复仇后的哪吒和家将、昔日伙伴一一告别，骑一匹梅花鹿逍遥远去，没有了血缘的羁绊，无来处无归途，自由自在，唯有此心，耿耿相随。
而那个仗义执言、一身反骨的少年英雄，成为了一代又一代青少年的守护神。
哪吒——这个由师父太乙真人起的名字，曾经被一支年轻的摇滚乐队化为己用。他们在一首名为《闹海》的歌里唱道：
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闹海哪吒 - 他在时间门外
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