最近看到一个说法——古希腊古罗马那些纯白大理石的雕塑，原本都是有颜色的。然后有人尝试给它们上色还原，那个效果呢，大约类似于乐山大佛修复后毁容的程度。

但这不是无稽之谈哦，想一想敦煌石窟里的壁画，原本也拥有鲜艳的色泽，只是因为经历了时光的磨损与沉淀，才变成现在这种素雅的莫兰迪色调。所以，我们以为的“高级”审美，很可能并不是古人的原意。

那条微博说，古人为什么不能爱大红大绿？在物质匮乏的时代，艳丽的、高饱和度的色彩才能彰显华贵，而素色、性冷淡风体现了现代人极尽奢华、繁华落尽之后的“厌倦”：就是因为见太多了才不稀罕，才想返璞归真，这么一想现代人还真是凡尔赛，这大概就是贵族和暴发户的区别？

所以艺术界的潮流，从文艺复兴对透视法和人体比例的追求，到巴洛克时期的立体光影、新古典主义的理性与精准，再到浪漫主义的肆意涂抹，最后发展到印象派、后印象派、表现主义、抽象主义等各种现代主义潮流，是不是也始终是由“厌倦”驱动的呢？因为过于丰盛而开始厌倦，因为发展到极致而开始衰落。最后因为相机的发明，干脆放弃表现客观世界，转而尝试以夸张的形式表达画家眼里的、心中的世界。

但也有一些画家，始终都“生不逢时”。比如文艺复兴时期的阿尔钦博托，人家就是要画中世纪风格的神秘形象；比如19世纪的法国画家布格罗和英国画家卡巴内尔，人家就是要在印象派混得风生水起的时代坚持古典风格。这些“不合时宜”的人在当时都没少受人嘲讽。但一百年或者几百年后再来看，我们还是会觉得他们的画好看，抛开那些乱七八糟的主义、理念，画最基本的特点不就是“好看”吗？

下面放了一些布格罗和卡巴内尔的作品，他们都喜欢画美人——传统意义上的美人，让人一眼赏心悦目的那种。

看似循规蹈矩的肖战，内心早就野成了一团火，热烈地烧出一片干净明朗的贵气，热烈画出一幅倪云林的画儿，空灵劲儿与真气一股脑儿扑面而来，你避无可避地要跌进去。

冰球肖战”，像个好奇的孩子，对所有自己没有见过的东西，都跃跃欲试摸一摸、玩一玩、跳一跳,不耻下问。他纯净的笑脸，只一眼，就让人动容，回味好长好长时间。

所有的人，都可以想象得出肖战的举步维艰，可他却轻松活泼如孩童，返璞归真的喜悦着、自在着。

他歌唱着行走着，他想要的不过如此，兵来有将，水来有土，此心已闲，恩怨纠葛都不在意了，而他干干净净地，只负责欢喜呀！

昨天重刷了一遍爱死机《Zima blue》那集，这集的原型就是发明注册并以自己名字命名“克莱因蓝”的Klein。

为了达到对宇宙的极限探索，齐马经历过无数次改造，最后当他选择纵身跃入泳池里，回到最初的那个清洁机器人，他说：“我对真理的探索终于结束了，我要回家了。”
齐马蓝对人们来说是不断扩大的蓝色画布，而对齐马来说是他诞生之初面前泳池瓷砖的一抹蓝，那就是他最初的整个世界。

克莱因蓝是Klein打破条条框框束缚后的创作，是他在米兰画展上展出的八幅同样大小、涂满近似群青色颜料的画板，他认为用最单纯的色彩才能唤起最强烈的心灵感受。Zima与Klein都在表达对自由、对纯粹本质的追求，“大道至简，返璞归真”。

突然觉得克莱因那句名言也很适合形容摄影：“去感受灵魂，去描绘当下，无须解释和语言。”